Välkommen på vernissage / Welcome to the opening
Fredag 20 december 18–20 / Friday 20 December 6–8 pm
Nära det vilda hjärtat / Near to the Wild Heart
Özlem
Altın, Kinga Bartis, Mary Beth Edelson, Damla Kilickiran, Jochen
Lempert, Antje Majewski / Issa Samb / Olivier Guesselé-Garai, Beatriz
Santiago Muñoz, Max
Walter Svanberg, Gudrun Åhlberg
Curator: Lisa Rosendahl
Özlem Altın, Untitled (tree inside), 2017
Lunds konsthall, Mårtenstorget 3, SE-223 51 Lund www.lundskonsthall.se
WKRÓTCE | FLOW/PRZEPŁYW
wernisaż: 4.07.2024, 18:00
wystawa potrwa do: 8.09.2024
kuratorki: Agnieszka Brzeżańska + Ewa Ciepielewska [FLOW], Emilia Orzechowska [Galeria EL]
Do udziału w tegorocznej wystawie zaproszone zostały osoby artystyczne z Polski i z zagranicy, które brały udział w działaniach FLOW w ciągu ostatnich 8 lat, od 2016 roku kiedy pierwszy raz Galar Solny wypłynął na rzekę. Na nasze zaproszenie odpowiedziało ponad 60 osób. (Wciąż nie możemy podać dokładnej liczby uczestników i uczestniczek, ponieważ wystawa FLOW jest nieustającym “PRZEPŁYWEM”, dlatego wybaczcie nam, ale pełną listę osób artystycznych podamy tuż przed wernisażem).
Rzeka jest bytem żywym, dynamicznym i samoorganizującym się …
Nic nie robi i nic nie jest niezrobione …Wymaga dostrojenia się.
Wisła jest złożonym bytem, organizmem, systemem, światem.
Naczyniami krwionośnymi Ziemi (…)
FLOW/PRZEPŁYW to projekt artystyczny realizowany przez Agnieszkę Brzeżańską i Ewę Ciepielewską jako płynąca rezydencja dla artystów/artystek, a także naukowców/naukowczyń, przyrodników/przyrodniczek, przyjaciół/przyjaciółek rzeki. To transdyscyplinarne działanie twórcze odbywające się na Wiśle oraz w innych miejscach przepływu, w których rzeka staje się punktem wyjścia do wspólnego bycia i działania osób twórczych, kuratorskich, aktywistycznych i społecznikowskich, by bez założonych z góry rezultatów i konieczności produkowania, odświeżać ideę sztuki jako eksperymentu. FLOW/PRZEPŁYW to też ćwiczenie z innej “ekonomii” – Ekonomii Daru, która opiera się na idei współpracy, bezinteresowności i dzieleniu się zasobami bez użycia pieniędzy. Jest to alternatywny model gospodarczy, który kontrastuje z tradycyjnymi rynkami opartymi na wymianie handlowej i pieniądzu. W Ekonomii Daru ludzie angażują się we wzajemne dzielenie się dobrami, usługami, umiejętnościami oraz czasem, w duchu wzajemnej pomocy, współdziałania i wymiany.
Gary Snyder powiedział, że „artyści są po to, żeby zabawiać przyrodę”, co doskonale oddaje ducha FLOW/PRZEPŁYW, które jest corocznym zaproszeniem do cieszenia się i celebrowania (wciąż jeszcze) dzikich rzek w Polsce, o które powinniśmy zatroszczyć się i zaopiekować, bo „Jest już bardzo późno”!
Misją naszej wystawy jest pozyskać serca i umysły dla ochrony
naturalnie płynących rzek, dzikich obszarów, bioróżnorodności,
nieludzkich bytów, całego precyzyjnego układu powiązań, który
funkcjonuje w naturze. Tutaj wytwory ludzkich rąk nie służą do
poddawania sobie natury, lecz do współistnienia z nią, jej uwielbienia i
zabawiania. Dlatego nie wykluczamy, że wystawa podczas 2 miesięcy
swojego życia będzie się zmieniać, rozrastać, meandrować i będzie w
duchu “flow” (ang. flow, inaczej doznanie uniesienia, uskrzydlenie),
które zgodnie z definicją psychologii pozytywnej – jest stanem
psychicznym osiąganym w momencie kiedy wykonujemy działanie, w które
jesteśmy w pełni zaangażowani i skupieni na jego realizacji. Odczuwamy
ten stan jako rodzaj euforii dlatego, że pociąga nas to, co robimy.
Twórcą koncepcji jest Mihály Csíkszentmihályi, według którego „flow”
jest stanem między satysfakcją a euforią, wywołanym całkowitym oddaniem
się jakiejś czynności. Według autora słowem „przepływ” opisać można stan
umysłu, w którym ludzie są tak skupieni podczas danego zadania, że
wszystko inne wydaje się znikać. Milknie wewnętrzny dialog, zmienione
jest poczucie czasu, motywacja zewnętrzna przestaje mieć znaczenie.
Świadomość i uwaga są niepodzielnie skupione na wykonywanej czynności.
Osoby doświadczające tego stanu często porównywali ten stan do bycia
unoszonym przez wodę.
Tak więc zapraszamy do Galerii EL przez całe lato na “pełne zanurzenie”.
“Follow your FLOW!”
Wystawa jest prologiem do FLOW 2024 i pierwszych oficjalnych wydarzeń Europejskiego Pawilonu “Płynnych Przejawień nad Wisłą”. Jest to ogólnoeuropejski projekt artystyczny zamówiony przez Europejską Fundację Kultury w 2024 r.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach programu Narodowego Centrum Kultury.
Partnerzy wydarzenia: Stowarzyszenie Autorów ZAiKS, BWA Warszawa,
European Cultural Foundation, The European Pavillon, Espaco agora now,
Camping nr 61 w Elblągu, Kwiaciarnia Zielony Gaj,
Patroni medialni: Pismo Format, Magazyn Szum, Notes na 6 tygodni
Die Ausstellung ENCORE UN EFFORT _2023_ AN EFFORT AGAIN von Katharina Karrenberg und Olivier Guesselé-Garai versammelt verschiedene Exponate aus den laufenden künstlerischen Prozessen der beiden Künstler.
Katharina Karrenbergs Arbeit setzt sich dabei vertieft auseinander mit Ausprägungen struktureller und gesellschaftlicher Gewalt. Sie reflektiert diese Gewaltstrukturen als grundlegende Bedingung der aktuellen, kapitalistischen Macht, sowohl der multinationalen Konzerne als auch der staatlichen Machtapparate wie Militär, Polizei und Geheimdienste..., sie tarnen sich, sind permanent anwesend, dennoch oft unsichtbar, werden biopolitisch aufrecht erhalten, dann doch wieder sichtbar an ihren Verkleidungen, Uniformen und verkörpern "die staatlich sanktionierte, gruppendifferenzierte Anfälligkeit für einen vorzeitigen Tod" (nach Ruth Wilson Gilmores).
Gewaltstrukturen liegen nicht irgendwo unerreichbar und unwandelbar herum, sondern greifen aktiv in unseren täglichen Umgang mit Menschen, Tieren und Dingen ein und sind damit auch aktiv veränderbar. Katharina Karrenberg entwickelt mit ihren Arbeiten eine radikale Kritik an diesen allgegenwärtigen Gewaltverhältnissen, an verschiedenen ––[un]sichtbaren, verschwiegenen aber auch performativen Zugängen und Ausformungen der Repression und offenen Todesgewalt. Die Exponate reflektieren gleichzeitig ihre gegenseitige Andersheit–– ihre Abstraktion, ihre Konkretion und ihre je spezifischen Materialien, in denen die lebensfeindliche Kälte neo-kapitalistischer Verhältnisse fassbar werden.
Olivier
Guesselé-Garai entwicklelt eine sehr persönliche künstlerische Sprache,
in der soziale Fragen subtil verhandelt werden. Er untersucht einen
Alltagsgegenstand wie den Kühlschrank, indem er ihn zerlegt und neu
zusammensetzt, er befragt seine Funktion und strukturellen Qualitäten
und entdeckt dabei abstrakte Teile und Formen, die zuvor sozusagen
versteckt waren. Es ist ein spielerischer Vorgang und gleichzeitig
begreift Olivier Guesselé-Garai die künstlerische Arbeit auch als eine
Form des Widerstands, in dem die Bestätigung des Seins durch das
Bewusstsein und seine stille Kraft Poesie, Freude und Liebe einsetzt, um
uns gemeinsam und besonders in der Andersartigkeit zu einer Reflektion
über unsere Welt einzuladen.
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d’art contemporain
Alsace
Dans cette exposition d’une grande diversité formelle, on y retrouvera installations, sculptures, objets, photographies, vidéos, peintures et performances.
Neue Sammlungsankäufe
Die neuen Ankäufe sind formell von einer großen Diversität und umfassen Fotografie, Zeichnung, Skulptur, Objekt, Video und Performance.
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April – July, 2021
Initiated by Huang Xiaopeng
Co-curated by Dorothee Albrecht, Antje Majewski, and Stefan Rummel
Artists: Thomas Adebahr, Hank Yan Agassi, Dorothee Albrecht, Nine Budde, Chen Dandizi 陈丹笛子, Iyad Dayoub, Nina DeLudemann, Abrie Fourie, Anne Gathmann, Ge Yulu 葛宇路, Anja Gerecke, Olivier Guesselé-Garai, Huang Xiaopeng 黄小鹏, Klaas Hübner, Franziska Hünig, Mwangi Hutter, Yuko Kaseki, Ange Kayifa, Friederike Klotz, Ulrike Kuschel, Lei Lijie 雷丽洁, Li Juchuan 李巨川, Li Lulu 李璐璐, Li Xiangwei 李翔伟, Li Yifan 李一凡, Mikhail Lylov, Ma Xinyu 马馨钰, Ma Yujiang 马玉江, Antje Majewski, Sajan Mani, Elke Marhöfer, Maternal Fantasies, Alice Musiol, Paulo Nazareth, Bettina Nürnberg & Dirk Peuker, Pınar Öğrenci, Qin Jin 秦晋, Stefan Rummel, RZhen 阿珍, Song Ta 宋拓, Erwin Stache, Sun Haili 孙海力, Tam Waiping 谭伟平, Vangjush Vellahu, Janin Walter, Wang Yinjie 王音洁 & Yao Chunchun 姚纯纯 , Wei Yuan 魏源, Wu Sibo 伍思波, Wu Tiao Ren 五条人, Xi Lei 奚雷, Yang Xinjia 杨欣嘉, Zhong Jialing 钟嘉玲, Zhu Tao 朱涛
Times Art Center Berlin is pleased to present the group show ANGST, KEINE
ANGST, KEINE
The presentation will evolve as an ongoing process over three months, in episodes entitled Uncertainties – Walking on Unstable Grounds, Panic – The Moment of Fear, and Potentialities – Growing Out of Damaged Ground.
The project will be divided into three chapters:
The project will be divided into three chapters:
Kapitel 1: Uncertainties – Walking on Unstable Grounds
7. April – 1. Mai 2021
Nine Budde, Anne Gathmann, Anja Gerecke, Huang Xiaopeng 黄小鹏, Klaas Hübner, Franziska Hünig, Friederike Klotz, Ulrike Kuschel, Li Juchuan 李巨川, Li Xiangwei 李翔伟, Li Yifan 李一凡, Ma Xinyu 马馨钰, Ma Yujiang 马玉江, Antje Majewski & Vangjush Vellahu, Alice Musiol, Bettina Nürnberg & Dirk Peuker, Qin Jin 秦晋, Stefan Rummel, Erwin Stache, Tam Waiping 谭伟平, Wei Yuan 魏源, Wu Sibo 伍思波, Zhu Tao朱涛
Kapitel 2: Panic – The Moment of Fear
12. Mai – 12. Juni 2021
Iyad Dayoub, Abrie Fourie, Anne Gathmann, Ge Yulu 葛宇路, Anja Gerecke, Huang Xiaopeng 黄小鹏, Franziska Hünig, Ange Kayifa, Friederike Klotz, Lei Lijie 雷丽洁, Li Lulu 李璐璐, Li Yifan 李一凡, Alice Musiol, Pınar Öğrenci, Stefan Rummel, RZhen 阿珍, Erwin Stache, Vangjush Vellahu, Janin Walter, Xi Lei 奚雷, Yang Xinjia 杨欣嘉
Kapitel 3: Potentialities – Growing out of Damaged Ground
25. Juni – 17. Juli 2021
Thomas Adebahr, Hank Yan Agassi, Dorothee Albrecht, Chen Dandizi 陈丹笛子, Nina DeLudemann, Olivier Guesselé-Garai, Huang Xiaopeng 黄小鹏, Yuko Kaseki, Ulrike Kuschel, Mikhail Lylov, Sajan Mani, Elke Marhöfer, Maternal Fantasies, Mwangi Hutter, Paulo Nazareth, Song Ta 宋拓, Sun Haili 孙海力, Wang Yinjie 王音洁 & Yao Chunchun 姚纯纯, Wu Tiao Ren 五条人, Zhong Jialing 钟嘉玲
THE FACULTY OF SENSING – THINKING WITH, THROUGH AND
BY ANTON WILHELM AMO
RESEARCH AND EXHIBITION PROJECT
By Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, co-curated by Jule Hillgärtner and Nele Kaczmarek
04.12.–31.01.2021
WITH Akinbode Akinbiyi, Bernard Akoi-Jackson, Andcompany&Co., Anna Dasovic, Jean-Ulrick Désert, Theo Eshetu, Adama Delphine Fawundu, Lungiswa Gqunta, Olivier Guesselé-Garai, Patricia Kaersenhout, Kitso Lynn Lelliott, Antje Majewski, Claudia Martínez Garay, Adjani Okpu-Egbe, Resolve Collective, Konrad Wolf
SAVVY Contemporary respects the current measures to contain the COVID-19 pandemic. We wish everyone good health and safety. You can connect with this project sonically and visually through our window showcase as well as through a digital platform that will soon follow.
THE FACULTY OF SENSING – Thinking With, Through, and by Anton Wilhelm Amo is a research and exhibition project to honour the work and life of Anton Wilhelm Amo, an outstanding philosopher of the 18th century. On the basis of Amo’s writings and their reception, politics of referencing, erasure, and canonization will be thematized.
From March-September 2020, the first leg of the exhibition was on view at Kunstverein Braunschweig – a city in which Anton Wilhelm Amo breathed, walked, and thought. The second iteration of the exhibition is now taking place at SAVVY Contemporary in Berlin – the city in which in Summer 2020, after decades of struggling to abolish the racist name of M-street, history was made by naming it the first Anton Wilhelm Amo-Street in Germany. The media echo about this renaming process and the associated debates about colonial and racist monuments, honors, archives and other traces in public spaces have re-centred Amo in contemporary discourses – in the quotidien, in activism as well as academic circles.
Born in 1703 in what is today Ghana, Anton Wilhelm Amo was abducted as an infant, enslaved, and taken via Amsterdam to Wolfenbüttel at the court of Duke Anton Ulrich. Upon increased racism he fled ca. 1748 to West Africa, where he died ca 1753.
With THE FACULTY OF SENSING– Thinking With, Through, and by Anton Wilhelm Amo, we are embarking on deliberations around the oeuvre of one of the most important and consequent intellectuals of the 18th century, whose work has been widely relegated to the extreme margins and actually into oblivion for what might be termed “'obvious reasons”. In a 2013 essay "The Enlightenment's 'Race' Problem, and Ours" for the New York Times' philosophy page “The Stone”, Justin E. H. Smith wonders how and why philosophers like Immanuel Kant or David Hume could afford to be so explicitly racist, at a period when a contemporary of theirs Anton Wilhelm Amo was excelling as a philosopher. The explanation for this can be found in processes of erasure in relation to what Michel-Rolph Trouillot has called “Silencing the Past”. The canon of philosophy, like other canons, is a manifestation of power. Intransparent as it seems, we do know the codes that allow certain people into the canon and leave others out. To be subjugated by gender or race, by geography and coloniality all factor into canonization processes. Consequently, we know how and why Anton Wilhelm Amo Afer Guinea never found a place in the canon of philosophy, despite making important contributions to eighteenth-century German and European philosophy. The project THE FACULTY OF SENSING – Thinking With, Through, and by Anton Wilhelm Amo is not an effort to insert Anton Wilhelm Rudolph Amo Afer Guinea into any canon whatsoever. It is, on the contrary, an attempt to decanonize the philosophical canon by “thinking with, through, and by” Amo.
16 international artists and groups were invited to respond to the philosophical thought of Anton Wilhelm Amo in largely newly produced works. Curatorially, the project charts a trajectory primarily on and around his philosophical and legal proposals in relation to the thing-in-itself, the living body and soul discourse, the legal rights of people of African origin in the 18th century as much as today, the politics of naming, as well as engage with more complexe narrations of the history of the Enlightenment project. All these being issues that Prof. Amo tackled in his academic writings.
THE FACULTY OF SENSING – Thinking With, Through, and by Anton Wilhelm Amo is not a philosophy thesis. It is an art project. It is a journey, an investigation into that which has been, that which once was, that which could have been – an approach to the work and life of Anton Wilhelm Rudolph Amo Afer Guinea. In reality, in imagination, and in speculation.
By questioning the environment Anton Wilhelm Amo grew up in and spaces that we still share with him today, Akinbode Akinbiyi embarked on a journey through the region to conduct a photographic search for vestigial remains.
Adama Delphine Fawundu shares this interest in trans-historical connections, working with water as the connecting element that flows through a spatial installation composed of photographs, videos, and an artist book. Following Anton Wilhelm Amo’s theory that it is only the living organic body that can feel and that the soul cannot, Kitso Lynn Lelliott has created a videographic portrait of environments from Amo’s life journey in Ghana and Germany. A second chapter tackles the shortcomings of re-enacting from a position of absence. Starting with targeted interrogations that flank the exhibition’s spatial course, Anna Dasović focuses on the empty spaces and deliberate omissions that have shaped Amo’s biography and perception of his work, questioning thereby the prevailing criteria of canonization.
In another form, RESOLVE Collective too have tackled the aporias, gaps, and contradictions that shaped Amo’s life, philosophical oeuvre, and reception of his work. The resulting project Programming Im/Passivity (2020) attempts to translate Amo’s theoretical positions into sensory and artistic processes, with the observers becoming involved as active participants in a workshop-library environment. Bernard Akoi-Jackson’s contribution is a song dedicated to Anton Wilhelm Amo, the lyrics of which were translated by Rahinatu Taiba Ibrahim into Nzema language. The work deals with the period of Amo’s life after his return to Ghana in 1747 and his dedication to gardening herbs.
With a room plan made of barbed tape and treated fabrics, Benisiya Ndawoni II (2020) by Lungiswa Gqunta addresses structural violence, migration, and the forced movement of Black people. Questions of exclusion and everyday discrimination are likewise the starting point for the Olivier Guesselé-Garais poem “Their Eyes Were Watching Cop” (2015/2020), here reinterpreted in the form of an installation. Claudia Martínez Garay assembles drawings, prints, and paintings into a visual narrative that links back to heritage, displacement, and racism while also referring back to one-sided definitions of modernity and the problematic relationship of Black and Brown bodies to (cultural) institutions. These are issues that have also motivated Patricia Kaersenhout in her artistic and activist practice for many years. As part of the exhibition, Kaersenhout is showing the series While we Were Kings and Queens (2020), in which she examines the trauma of colonial oppression that stands in flagrant contradiction to the proclaimed ideals of the Enlightenment.
In his multimedia installation Decolonizing Knowledge (2020), Adjani Okpu-Egbe bridges the gap between Amo’s work, person, and a proposed alternative canon developed in collaboration with renowned thinkers, academics, and artists.
Direct connections to Anton Wilhelm Amo’s philosophical writings are also found in new works by Antje Majewski and Theo Eshetu. Majewski’s Die Apatheia der menschlichen Seele (2020) takes individual imaginations of the soul and translates them into painting via Amo’s ideas; Amo himself is able to “speak” via quotations in a video work by Eshetu. That Anton Wilhelm Amo’s history is a special but by no means an isolated case is made clear in the 2009 cyanotype series Good Morning Prussia by Jean-Ulrick Désert, which recalls the fate of one of Amo’s contemporaries.
On the initiative of architect Konrad Wolf, SAVVY Contemporary will itself become the Anton Wilhelm Amo Center (2020) for the duration of the exhibition, reflecting on processes of strategic renaming.
The performance collective andcompany&Co. presents a video readaptation of their lecture performance Black Bismarck revisited (again) that takes the Africa Conference as a starting point for tracing the consequences of colonialism. The work was produced in collaboration with Staatstheater Braunschweig.
The exhibition is accompanied by a public program, which will partly take place online due to current circumstances. A publication edited by Ndikung, Hillgärtner and Kaczmarek (Mousse Publishing, Kunstverein Braunschweig) entailing essays by Anton Wilhelm Amo, Seloua Luste Boulbina, Victor Uredo Emma-Adamah, Paulin J. Hountondji, Jule Hillgärtner & Nele Kaczmarek, Jota Mombaça, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, Peggy Piesche, and Justin E.H. Smith will be launched at the finissage of the Berlin leg of THE FACULTY OF SENSING – Thinking With, Through, and by Anton Wilhelm Amo.
› FIND HERE THE EXHIBITION HANDOUT
ARTISTIC DIRECTION AND CONCEPT Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
CO-CURATORS Jule Hillgärtner, Nele Kaczmarek
CURATORIAL SUPPORT Kelly Krugman
PRODUCTION Billy Fowo, António Pedro Mendes
MANAGEMENT Lema Sikod, Lynhan Balatbat-Helbock, Jörg-Peter Schulze
COMMUNICATIONS Anna Jäger
GRAPHIC DESIGN Juan Pablo García Sossa
HANDOUT Melina Sofia Tsiledaki
TECH Bert Günther
LIGHT Catalina Fernandez
FUNDING The project at Kunstverein Braunschweig was funded by the Kulturstiftung des Bundes.
THANKS Our gratitude to the Kunstverein Braunschweig, namely Jule Hillgärtner, Nele Kaczmarek, Franz Hempel and Raoul Klooker, for their support.
VISUAL Quote by Anton Wilhelm Amo, Design by Juan Pablo García Sossa
Ausstellung
Kunst ⇆ Handwerk. Zwischen Tradition, Diskurs und Technologien
2. Okt. 2020 - 10. Jan. 2021
Künstler*innen der Ausstellung: Azra Akšamija, Olivier Guesselé-Garai, Plamen Dejanoff, Olaf Holzapfel, Antje Majewski, Jorge Pardo, Slavs and Tatars, Haegue Yang, Johannes Schweiger
In einer zunehmend unübersichtlichen globalisierten Welt, scheint das Bedürfnis nach Kategorisierungen und rigiden Identitätskonzepten ständig zu wachsen. Uneindeutigkeiten und Zwischenräume haben einen immer schwereren Stand. An diesem Punkt setzen die Künstler*innen der Ausstellung an: Ausgehend von ihrer Beschäftigung mit Materialien und handwerklichen Techniken, schaffen sie Arbeiten, die Brücken bauen – zwischen tradiertem lokalen Wissen und anderen Kulturen und Zeiten, zwischen Handwerk und zeitgenössischer Kunst.
Lokale Traditionen und globale, zeitgenössische Kunst
In den letzten Jahren ist das Interesse zeitgenössischer Künstler*innen am Material, an (kunst)handwerklichen Verfahren, am Experimentieren mit Materialien und Techniken auffällig gewachsen. Die internationalen Künstler*innen der Ausstellung arbeiten mit Materialen wie Holz, Glas, Textil oder Stroh und setzten Fertigkeiten von Knüpfen bis Schnitzen ein. Die Werke der Ausstellung – darunter Skulpturen, Textilien und großräumige Installationen – beziehen sich auf kunsthandwerkliche, volkstümliche, künstlerische Traditionen ebenso wie auf zeitgenössische und technologische Diskurse. Die Künstler*innen widmen sich den Kategorisierungen, Hierarchien und Vorurteilen, die den unterschiedlichen Materialien und Verarbeitungsformen zugeschrieben werden.
DIY oder wertbeständige Produkte
Die Ausstellung reagiert auch auf das gestiegene gesellschaftliche Interesse am Handwerk, das sich in sehr unterschiedliche Richtungen entwickelt hat. Zum einen findet sich ein neokonservatives Qualitätsbewusstsein und damit einhergehend der Konsum von gehobenen handwerklichen Gütern, zum anderen haben DIY-Bewegungen an Fahrt aufgenommen. Und nicht zuletzt kann man politische Einverleibungen von Handwerk in einer Reihe mit Begriffen wie Heimat, Volk, Volkskunst und Tradition beobachten. Die Künstler*innen fordern diese Zuschreibung heraus und zeigen in ihren Arbeiten, wie sehr sich lokale Identifikationen und globale Entwicklungen längst ineinandergeschoben haben. Die Bedeutung und Wertschätzung des Handwerks als ein wesentlicher Bestandteil kultureller Identität und vor allem das Gemeinschaft stiftende Potenzial von kunsthandwerklichen Traditionen wird mit den sozialen und ökonomischen Verhältnissen in einer globalisierten Welt zusammengedacht. Auffassungen von kohärenten, in sich geschlossenen Kulturen und Identitäten werden zugunsten von Uneindeutigkeit und Hybridität unterwandert.
Kunst und Handwerk in der Kestner Gesellschaft
Viele Themen der Ausstellung, insbesondere die Hierarchisierung von Kunst und Kunsthandwerk, von europäischer Moderne und außereuropäischen Kulturen, sowie geschlechterspezifische Zuschreibungen von Techniken und Materialien und die Rolle von Design, beschäftigen die Kestner Gesellschaft bereits seit ihrer Gründung 1916. Der zeitgenössischen Kunst wird einen Blick ins Archiv der Kestner Gesellschaft zur Seite gestellt, um die historische Entwicklung dieser Fragestellungen aus institutioneller Perspektive zu beleuchten.
Die Ausstellung wird in Kooperation mit dem Kunsthaus Graz und der Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig (GfZK) realisiert. Zur Ausstellung ist ein Katalog im VfmK Verlag für moderne Kunst GmbH erschienen, der Katalog kostet 20 Euro.
Kuratorinnen: Barbara Steiner und Lea Altner
Grafische Gestaltung: modern temperament, Berlin
Erfahren Sie mehr über die Ausstellung: Nutzen Sie unsere Audioguides oder lesen Sie mehr in unserem Posterheft.
Melden Sie sich an zur Eröffnung am Do, 1. Oktober 2020, 15.30-22 Uhr.
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Eröffnung
15. Mai 2020, 14-20 h
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Künstler*innen:
Azra Akšamija, Plamen Dejanoff, Olaf Holzapfel, Antje Majewski, Olivier Guesselé-Garai,Modern Temperament, Jorge Pardo, Slavs and
Tatars, Haegue Yang, Johannes Schweiger
kuratiert von Barbara Steiner und Franciska Zólyom An diesem Tag wird auch das Café Das Kapital wieder eröffnen |
Die GfZK freut sich, Ihnen endlich die Ausstellung Kunst_Handwerk
zu präsentieren! In den letzten Jahren ist das Interesse
zeitgenössischer Künstler*innen am Material, an kunst-handwerklichen
Verfahren, am Experimentieren mit Material und Techniken auffällig
gewachsen. Die Arbeiten beziehen sich auf kunsthandwerkliche,
volkstümliche, künstlerische Traditionen sowie zeitgenössische und
technologische Diskurse gleichermaßen. Sie sind herzlich eingeladen die
Ausstellung zwischen
14 und 20 Uhr zu besuchen. Ab 18 h werden die Kuratorinnen Barbara Steiner und Franciska Zólyom anwesend sein, sowie die Künstler*innen Olaf Holzapfel und Slavs and Tatars. Wir freuen uns auf Ihren Besuch! |
THE FACULTY OF SENSING
Thinking With, Through, and By Anton Wilhelm Amo
Akinbode Akinbiyi (GBR), Bernard Akoi-Jackson (GHA), andcompany&Co. (GER), Anna Dasović (NLD), Jean-Ulrick Désert (HTI), Theo Eshetu (GBR), Adama Delphine Fawundu (USA), Lungiswa Gqunta (ZAF), Olivier Guesselé-Garai (FRA), Patricia Kaersenhout (NLD), Kitso Lynn Lelliott (BWA), Antje Majewski (GER), Claudia Martínez Garay (PER), Adjani Okpu-Egbe (CMR), RESOLVE Collective (GBR), Konrad Wolf (GER)
Mar 28 – Aug 2, 2020
With THE FACULTY OF SENSING – Thinking With, Through, and by Anton Wilhelm Amo, Kunstverein Braunschweig has worked in close cooperation with Bonaventure Soh Bejeng Ndikung to develop a project in honor of Anton Wilhelm Amo, an outstanding philosopher of the 18th century. On the basis of Amo’s writings and their reception, highly topical issues of referentiality, erasure, and canonization will be discussed.
In a 2013 essay The Enlightenment's 'Race' Problem, and Ours for the New York Times' philosophy page The Stone, Justin E. H. Smith wonders how and why philosophers like Immanuel Kant or David Hume could afford to be so explicitly racist, at a period when a contemporary of theirs Anton Wilhelm Amo was excelling as a philosopher. The explanation for this can be found in processes of erasure in relation to what Michel-Rolph Trouillot has called 'Silencing the Past'.
KUNST ⇆ HANDWERK
Zwischen Tradition, Diskurs und Technologien
15.11.2019-16.02.2020
| From 22 March to 16 June 2019, the Gropius Bau explores the concept
of crafts and handmade processes in Berlin’s contemporary art scene,
taking its history as a former museum for decorative arts and
educational institution as a starting point.
When Dorothy Iannone serenaded her friend Mary Harding in 1977, she
sang an avowal to the city of Berlin, a place she had moved to only a
year before with the DAAD Artists-in-Berlin programme and where she has
lived ever since. Her line “And Berlin will always need you” forms the
title of the first exhibition presented at the Gropius Bau in 2019. And Berlin Will Always Need You. Art, Craft and Concept Made in Berlin is a distinctly contemporary art exhibition that sheds light on artists’ practices in the city. Presenting an evocative series of existing and newly commissioned works the exhibition engages with traditional methods of production, aesthetics and materiality, and examines historical artefacts and objects. Read more With works by Nevin Aladağ, Leonor Antunes, Julieta Aranda, Alice Creischer, Andreas Siekmann an the Brukman workers, Mariechen Danz, Haris Epaminonda, Theo Eshetu, Olaf Holzapfel, Dorothy Iannone, Antje Majewski and Olivier Guesselé-Garai, Willem de Rooij, Katarina Šević, Chiharu Shiota, Simon Wachsmuth and Haegue Yang Curated by Natasha Ginwala and Julienne Lorz |
The MOLAF's Installment No. 21
February 28 – May 12, 2019
JASON DE HAAN (CA)
ANTJE MAJEWSKI + OLIVIER GUESSELÉ GARAI (DE)
SERGE MURPHY (CA)
JADE YUMANG (CA)
How to talk with birds, trees, fish, shells, snakes, bulls and lions
Eine
Ausstellung von Antje Majewski mit Agnieszka Brzeżańska & Ewa
Ciepielewska, Carolina Caycedo, Paweł Freisler, Olivier Guesselé-Garai,
Tamás Kaszás, Paulo Nazareth, Guarani-Kaiowa & Luciana de Oliveira,
Issa Samb, Xu Tan, Hervé Yamguen
An exhibition by Antje Majewski with Agnieszka Brzeżańska & Ewa
Ciepielewska, Carolina Caycedo, Paweł Freisler, Olivier Guesselé-Garai,
Tamás Kaszás, Paulo Nazareth, Guarani-Kaiowa & Luciana de Oliveira,
Issa Samb, Xu Tan, Hervé Yamguen
Ina Dinter
Kuratorin der Ausstellung / Exhibition curator
Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin
Aleksandra Jach
Kuratorin der Ausstellung / Exhibition curator
Exhibition curator
Muzeum Sztuki, Łódź
16.11.2018–12.5.2019
Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin
Staatliche Museen zu Berlin
Invalidenstraße 50/51
10557 Berlin
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Zapraszamy do GGM2 przy ul. Powroźniczej w piątek 22 czerwca o godz. 19.00 na wernisaż wystawy “W Dzikiej Kocham się Wiśle”, która jest efektem ubiegłorocznej edycji projektu FLOW/PRZEPŁYW.
Podczas wernisażu wystąpi duet Małpeczki (Maria Toboła, Maria Kozłowska), który wcieli się w mistrzynie ceremonii, oraz Małgorzata Nierodzińska z performansem “Kolekcjonerka przytuleń”.
Wystawę będzie można oglądać od 23.06. do 06.07.2018, od wtorku do niedzieli od 12.00 do 19.00. Wstęp bezpłatny
Wystawę zamknie 6 lipca wieczór performatywny “Sonda ostateczna”, po którym nastąpi wypłynięcie na wiślane wody.
Artyści: Dobrawa Borkała, Agnieszka Brzeżańska, Anna Brzozowska, Jakub Gliński, Justyna Górowska, Adam Gruba, Jakub Falkowski, Olivier Guesselé-Garai, Elżbieta Jabłońska, Karolina Karwan, Paulina Kitlas-Śliwińska, Izabela Koczanowska, Tomasz Kopcewicz, Grupa Luxus (Ewa Ciepielewska, Jerzy Kosałka, Małgorzata Plata, Pawel Jarodzki, Bożena Jarodzka, Szymon Lubiński), Antje Majewski, Cecylia Malik, Małpeczki (Maria Kozłowska, Maria Toboła), Tomasz Mróz, Muzealne Biuro Wycieczkowe (Tomek Pawłowski, Rafał Żarski), Gosia Nierodzińska, Dominika Olszowy, Franciszek Orłowski, Sławomir Pawszak, Katarzyna Przezwańska, Karol Radziszewski, Szymon Rogiński, Helena Siemińska, Emilia Sobczuk, Michał Szlaga, Małgorzata Szymankiewicz, Angelica Teuta, Tomasz Wawak, Dorota Walentynowicz, Alicja Wysocka, Patryk Zakrocki, Zuzanna Ziółkowska-Hercberg
Kuratorki: Agnieszka Brzeżańska, Ewa Ciepielewska, Tomek Pawłowski
https://www.facebook.com/flowprzeplyw/
flowczyliprzeplyw@gmail.com
UNTRAGBAR. VON DER SEHNSUCHT NACH VERÄNDERUNG
UNBEARABLE. LONGING FOR CHANGE
Kunst- und Kultursommer 29. April – 29. Juli 2018
Der Kunstverein KISS im Schloss Untergröningen präsentiert eine große Ausstellung zum Traum des Menschen von einem anderen Dasein. Ziel ist ein Wechsel der Perspektive. Es geht darum, innerhalb der Gegenwartskunst der Fähigkeit nachzuspüren, sich in andere hineinzuversetzen. Im Fokus stehen dabei soziales Gefälle, die Einschränkung von Freiheit und das Verhältnis zwischen Zivilisation und Natur. Auf einer Fläche von rund 1000 qm vereint die Ausstellung 95 Werke unterschiedlichster Medien wie Installation, Plastik, Film, Fotografie, Malerei und Graphik.
Wie beeinflusst koloniale Geschichte unsere zwischenmenschlichen Beziehungen? Welche Blüten treibt unser Zwang, immer besser sein zu wollen als die anderen? Sperren wir uns freiwillig ein, obwohl wir glauben, nach Freiheit zu streben? Wie können wir mit der Natur in einen Dialog auf Augenhöhe treten? Viele Exponate der Ausstellung fordern Empathie und Respekt ein für jene, die in unserer Gesellschaft bisher wenig Beachtung bekommen. Andere laden zum Dialog ein mit dem, was wir kaum kennen oder was uns fremd erscheint. Weitere zeigen liebgewonnene zivilisatorische Werte und deren Kehrseiten, die oftmals aus unserem Blickfeld geraten.
Der angestrebte Perspektivwechsel betrifft unterschiedliche Kulturen dieser Welt, Mensch und Landschaft, Mensch und Tier sowie Gegenstände. Die Künstlerinnen und Künstler mit Wurzeln in Finnland, Frankreich, Kamerun, Mexiko, Nigeria, Polen, Ungarn, Südkorea, Südtirol und Deutschland setzen sich mit ihrer Herkunft und aktuellen gesellschaftlichen Fragen auseinander. Einen weiteren Dialog bildet der inhaltliche und gestalterische Ortsbezug einzelner Arbeiten zum Ausstellungsort Schloss Untergröningen.
Alle Künstlerinnen und Künstler der Ausstellung
Tilmann Eberwein / Tanja Maria Ernst / Filderbahnfreundemöhringen FFM / Olivier Guesselé-Garai / Konrad Henker / Martina Kuhn / Seulmina Lee / Anja Luithle / Tea Mäkipää / Antje Majewski / Gabriela Oberkofler / Anne Römpp / Gabriel Rossell-Santillán / Uwe Schäfer / Katrin Ströbel
/ Emeka Udemba
Ort Kunstverein KISS im Schloss Untergröningen, Schloss, 73453 Abtsgmünd-Untergröningen Eröffnung Donnerstag, 26. April 2018 um 19.30 Uhr
Dauer 29.04. – 29.07.2018 Öffnungszeiten Sa 13 – 18 Uhr, So 11 – 18 Uhr, 1.5., 10.5., 21.5., 31.5. 11- 18 Uhr Information www.kiss-untergroeningen.de
Kuratorenführungen So, 27.05., 14 Uhr und So, 03.06., 14 Uhr. Weitere Führungen und Veranstaltungen auf der Website und auf Anfrage.
Kuratorin Marjatta Hölz, Stuttgart
Der Kunstverein KISS wird gefördert von Gemeinde Abtsgmünd, Ostalbkreis, Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg, Arbeitsgemeinschaft Deutscher Kunstvereine (ADKV), Alfred Ritter GmbH & Co. KG, Schreinerei Riek, Merz Freeform Technologies, Rommelag, Kreissparkasse Ostalb, Theodor Lang GmbH Omnibusverkehr Spedition, Red Werbetechnik Textildruck.
OLIVIER GUESSELÉ-GARAI
TAK TAK NEM NEM
09.12.2017 - 10.03.2018
Wernisaż / Opening: 09.12, 18:00
Godziny otwarcia / Opening hours: śr-pt / wed-fri 15:00-19:00 | sob / sat 13:00-17:00
Londyńska 13, 03-921 Warsaw, Poland | +48 517 09 16 77 | galeria@polamagnetyczne.com | www.facebook.com/polamagnetyczne |
Olaf Holzapfel, Riikka Kuoppala, Cyrill Lachauer, Nadia Lichtig, Antje Majewski, Maix Mayer, Gabriel Rossell Santillán, Thabiso Sekgala und Mathilde ter Heijne.